Bolt, un perro fuera de serie

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Bolt no es cualquier película para el estudio Disney pues anteriormente había obtenido una tibia respuesta con sus cintas La Familia Robinson y Chiquen littlle dependiendo hace mucho de las ganancias que le genera la socia Pixar. Ahora la apuesta fue en grande y tuvieron que tener la ayuda de John Lasseter, justamente el creador de la exitosa Pixar que tiene entre sus crédito a Buscando Nemo y Wall-e, notándose su apoyo como productor ejecutivo con una historia que mezcla hábilmente la acción y la comedia cautivando a grandes y chicos. Este perrito llamado Bolt actúa en una exitosa serie de Tv en la que da vida a un animal dotado de poderes superespeciales. Sin embargo, lo curioso del asunto es que el perro ha sido adiestrado para creer que en realidad posee dichas habilidades ignorando por completo que depende una un equipo completo para los efectos especiales. Su pequeña dueña que es la co-estrella debe mentirle después de cada día de filmación para que se quede en el set y la deje ir. Uno de esos días decide salir al rescate de su ama ante el supuesto peligro y lo hace en el duro del mundo real quedando totalmente expuesto, surgiendo situaciones muy divertidas en su encuentro con la calle. Obligará a un vagabundo gato para que le ayude. En tanto un simpático hamster, que es su fan, lo acompañarán en su aventura de volver a casa en busca de su familia.
Salir y encontrarse de frentón con una la realidad muy potente plantea la película llevando a un terreno a los niños de hoy que no creen mucho en Santa Claus y no se asuntan con facilidad en las cintas de terror. También son más exigentes con los dibujos animados que en tono de comedia tocan muchos temas relacionados con los valores, la familia y la amistad lo cual se agradece.
La dupla Byron Howard y Crhis williams que debutan en la dirección le dieron un renovador aire a la cinta con una refrescante trama planteando una película de animación que enseguida capta la atención del público de todas las edades. Divertida e inteligente con un gran ritmo hacen que Disney se meta de nuevo en la pelea por su esquivo público infantil no dando tantas ventajas a Dreamwords(Shrek) y Pixar (Toy Story)que recaudan millones.

Ceguera

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Dan en la vida Real

Decir que esta película es una comedia romántica seria injusto pero tiene todo los ingredientes para serla pero difiere un poco por la visión más humana, real y bien intencionada. Es protagonizada por uno de los comediantes del momento Steve Carrel (Superagente 66). En un tono cercano y creíble narra la historia de un viudo hombre a cargo de sus tres hijas que viven el proceso de hacerse mujeres trayéndole muchas complicaciones en la comprensión desde ambos bandos. Él por su parte, es un exitoso columnista que da consejos a los lectores de cómo sobrellevar bien la vida pero parece que sus comentarios no le son de utilidad propia. En un viaje donde sus padres, Dan se encontrará junto a sus hermanos y sobrinos e hijas. En una compra casual a una librería local conoce a la maravillosa Marie (Juliette Binoche) con quién tiene una fuerte atracción lo que le devuelve la fé en poder amar nuevamente. Pero todo se viene abajo por que precisamente ella es la novia de uno de sus hermanos, haciendo que la estadía en esa casa sea tragicómica por las situaciones vividas junto a ella, sus complejas hijas y su bromista familia.
Peter Hedges reconocido guionista incursiona por segunda vez tras las cámaras y lo hace con una intimidad única, transmitiendo junto a su elenco la familiaridad necesaria para sacar a flote esta cinta donde las risas, romance y lo ameno se mezclan sabiamente haciéndola muy atractiva. Como dato anecdótico se puede mencionar que el reparto vivió una semana previa al rodaje en la casa escogida como locación lo que tuvo su premio en el resultado exitoso de la cinta que acoge al espectador. Carrel participo en la excelente “Little Miss Sunshine” que tiene algunas similitudes al momento de anteponer a la familia sobre todo y con su aire de cine independiente donde logra imponer su ritmo no cayendo tan fácilmente en clichés de comedia entregando una refrescante y esperanzadora visión de que en familia se esta bién.

QUEMAR DESPUES DE LEER

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El día en que la tierra se detuvo

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Hermanastros

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Rails and Ties

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Un film bastante independiente es el que presenta Alison Eastwood en su primera labor como directora que sigue los pasos de su consagrado padre Clint. Hasta ahora solamente había incursionado como actriz y cantante ocasional. En su opera prima se nota que recibió algún empujoncito de su progenitor ya que dos de sus protagonistas trabajaron en la premiada Río Místico como los son Kevin Bacon y Marcia Gay-Harden. Ellos interpretan a Tom y Megan una pareja que vive serios problemas derivados del cáncer terminal de ella y él esta perturbado en su trabajo como maquinista de trenes en California. El destino les tiene preparado algo para este tramo final en que viven. Una mujer alcohólica lleva a su hijo hasta los rieles, posando mortalmente en los su automóvil para acabar con la vida de ambos y pero su hijo escapa milagrosamente no así su madre que perdió la vida al ser arrastrada por el del convoy que guiaba Tom. Después de circular por recintos de la policía el pequeño decide ir a encarar al maquinista por no detener el tren pero lo que parecía otro drama más se convierte automáticamente en amor hacia ese menor que a escondidas de la ley la pareja le brindará ese efecto que nunca tuvo. Como Megan tiene esta enfermedad terminal y nunca pudo tener hijos, el pequeño Davey se transforma en una bendición.

Un regalo proveniente de una desgracia, el nacimiento de la esperanza en un momento difícil y la profundización sobre la difícil misión que tienen los maquinistas que a diario ven como mucha gente decide terminar sus vidas en los rieles que recorren permanentemente, es lo que presenta como temática la cinta que tiene un ritmo sumamente lento pero como para dar inicio una carrera no esta mal. Eso sí va tener que sacar mas que el nombre y mejorar el ritmo de las secuencias que se suceden. El material era bueno, los actores también pero falto experiencia que puede llegar trabajando con ese gran padre que tiene y al cual le sobra usanza. Como último dato sus hermano Kyle Eastwood esta a cargo de a banda sonora de la cinta transformándose en una nueva sociedad cinematográfica que a lo mejor se puede proyectar en el tiempo.

Red de Mentiras

Para comenzar a escribir de esta cinta no se puede obviar que su director Ridley Scott ha dejado un legado notable a la industria cinematográfica. Creador de Alien, Blade Runner íconos de la ciencia ficción. También resucito a los romanos con “Gladiador” y fue voz de las mujeres en “Thelma and Louise” anticipándose al siglo de las féminas teniendo a dos de ellas como protagonista y heroínas en los noventa. Ahora vuelve a una de sus temáticas favoritas de intrigas, espionaje y la acción con un sólido reparto. DiCaprio interpreta al agente Roger Ferris, el hombre de terreno que dispone el Servicio de Inteligencia de los Estados Unidos en lugares donde una vida humana vale tanto como la información que puede proporcionarte. Diferentes operaciones en distintos países del medio oriente que se suceden una tras otra con tal de atrapar a un importante grupo terrorista que quiere seguir castigando a los infieles (occidente).Desde Washington el agente Hoffman interpretado por Russel Crowe maneja los hilos de esta verdadera marioneta que a miles de kilómetros va proporcionado información, disfrasándose e infiltrándose en el mundo árabe y darle cacería al cerebro terrorista que recuerda sospechosamente a Bin Laden.


El oscuro sub-mundo del espionaje mundial de alto riesgo donde el poder no se mide en términos de armamento o tecnología, sino en términos de la cantidad de información vital para operar y anticiparse es la clave con un enemigo menos sofisticado lo que lo hace mas peligroso. Una de las secuencias que más impactan es precisamente el poder que se maneja dando incluso cabida para crear una célula del caos ficticia que compita con las verdaderas organizaciones terroristas y distraerlas para que salgan de su escondite.


Una atmósfera de inseguridad donde no se puede confiar en nadie es la que se recrea con calculo y golpe de efecto de este solvente thriller que esta basado en la novela de David Ignatius, un periodista veterano que cubrió los casos de la CIA y Oriente Medio durante 10 años para The Wall Street Journal y que hoy trabaja en el The Washington Post.
Scott trabajó en estrecha colaboración con el oscarizado guionista William Monahan responsable por Los infiltrados
de Scorsese para trasladar a la pantalla esta osada temática.
Una cámara inquieta es el sello del director que filma algunas secuencias con un mínimo de cuatro cámaras desde distintos ángulos consiguiendo una edición exquisita y realista otorgándole al espectador múltiples visiones de un hecho tal como lo hizo anteriormente en “La Caída del Halcón Negro” también de su autoría. Por cuarta ocasión Russell Crowe se asocia con Scott tras Gladiator, Un buen año, y American Gangster lo que habla de una sociedad gratificante y que ha rendido buenos dividendos en esta cinta más que recomendable.

Lars y la chica real

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Honor y Orgullo

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La corrupción es el la temática que toca esta película y lo hace desde un lugar muy particular, una familia de policías donde padre, hijos y cuñado son miembros de la ley. Francis (John Voigt) orgullosamente líder del clan es un respetado policía. Sus hijos Ray (Norton) que vive paralelamente conflictos familiares y Francis jr (Emmerich) que también cuida a su esposa enferma, son el valuarte de la familia. La hija de este clan masculino esta casada con otro oficial de nombre Jimmy (Farrel) que es el eje fundamental de este cuadro de corrupción que se inicia con el asesinato de cuatro miembros del cuerpo policiaco. De inmediato la organización le pide a Ray (Norton) experto en investigaciones que se haga cargo de ella y le de una rápida solución pero al poco andar lo que en las calles se rumorea es que hay oficiales involucrados y los dardos van apuntando hacia su propia familia lo cual pondrá en entredicho la estabilidad de la misma más el orgullo y gloria de la institución que debe proteger a la ley.
Dirige Gavin O'Connor que proviene principalmente del mundo de la televisión y se toma sus tiempo para ir contando en dos horas de metraje esta trama que tiene un ritmo pausado pero que esta solidificada en las buenas actuaciones de su elenco cargado de testosterona. Así y todo la narración tiene escenas muy violentas como por ejemplo cuando Farrel amenza a una familia hispana con poner en el rostro de un bebe una plancha caliente con su traje de policía impecable tomando un riesgo por lo chocante de la secuencia.
La precisa mezcla de drama que proviene principalmente por la relación de los hombres con sus mujeres y el suspenso desatado por la secuencial investigación que va abriendo mayores pistas es sin duda el gran acierto de la cinta. No se puede obviar eso si que películas que tocan el flagelo de la corrupción a este nivel son numerosas y esta no se desmarca mucho de las otras de regular resultado lo que habla nuevamente de los guiones mortalmente parecidos. Sin ir mas lejos la cinta de inicio de los noventas de Mike Figgis “Sospecha mortal” protagonizada por Richard Gere y Andy García se viene a la mente cuando ves esta cinta que al final su atractivo principal proviene de ver a este reparto reunido.

R E C

Para ser sincero por estos lados de sudamérica no tenía la menor idea de la existencia de esta película hasta que alguien gentilmente me envió un enlace para ver trailer en Youtube. La particularidad de dicho trailer es que mostraba escenas de la cinta contrastada con las reacciones de la gente tiene dentro de la sala de cine y la verdad algo similar me ocurrió con sus golpes de efecto, si hace saltar a veces.

Si se pudiese hacer un juego de palabras con las iniciales del nombre de esta cinta de horror española para describirla brevemente se podría decir que REC es (recomendable, electrizante y contundente). Características que no son antojadizas para alguien que guste del horror sino que como película de este género funciona con una credibilidad tamaña.

Esta obra de los directores Jaume Balagueró y Paco Plaza se presentó en los festivales de Sitges y Venecia llevando sendos galardones. Este Docu-reality narrado en primera persona a través del lente del camarógrafo llamado Pablo se registra un trabajo de la bella reportera Angela que es enviada por sus programa “Mientras usted duerme” a grabar con los bomberos de Barcelona en su itinerario nocturno. Ahí va entrevistando y sigue a los funcionarios en una noche rutinaria cualquiera pero una llamada de rescate en un añoso edificio de departamentos es recibida y comienza la acción, raudamente los reporteros suben al camión para registrar un procedimiento rutinario pero este cambia violentamente de giro cuando una señora en los pisos superiores ataca a los bomberos ferozmente y comienza un contagio de un virus que hace que se conviertan en series rabiosos y con fuerza sobrenatural. La policía acordona y aisla el área dejando a todos cerrados en el edificio que es una bomba de tiempo, Angela y sus camarógrafo tratan de no caer en pánico y deciden grabar todo para mostrarlo a las autoridades pero dicho registro es macabro y les puede costar sus vidas.

Las cintas Exterminio, Resident Evil y Proyecto Bruja Blair y algunas películas de George Romero le vendrán a la mente a los más cinéfilos que presencien esta cinta pero lo que se agradece es justamente la frescura del material que ya fue comprado por hollywood para un remake. Su corta duración hace que la pulsaciones se centren con mayor fuerza en sus infartantes diez minutos finales, quizás lo mejor logrado con la subjetividad de la cámara que otorga un realismo mayor que las películas mencionadas anteriormente. Hay que destacar el excelente grupo de actores que son muy de “carne y hueso” de esos que podríamos encontrar en las esquinas brindando una credibilidad única y el intenso ritmo impuesto por sus directores

MADAGASCAR 2: ESCAPE DE AFRICA

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Espejos siniestros

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Antes que el diablo sepa que estas muerto

Cuando Sidney Lumed director de esta cinta recibió el 2005 el oscar honorífico de la academia con más ochenta años se creyó que su carrera ya había cumplido su ciclo. En cambio, aparece después de tres años con esta sólida película con un titulo largísimo “ Antes que el diablo sepa que estas muerto” que obtuvo mas de diez premios del rubro, reuniendo para ello un elenco maravilloso para contar esta oscura historia de una familia acomodada y su particular relación con el dinero.

Lumet en lo setentas cosechó los mejores elogios con Asesinato en Expreso de Oriente, Network, Sérpico y Tarde de Perros, las dos ultimas con el gran Al Pacino.
Acá la trama se centra en la historia de dos hermanos Andy (Hoffman) adicto a las drogas y que recurre a robos permanentes de las arcas de la empresa donde tiene cargo de confianza y el otro Hank(Hawke) atribulado por la demanda de pensión alimenticia de su ex mujer, el alcoholismo y la aventura que tiene con la mujer de su hermano. Pertenecen a una familia de buen pasar cuyos padres son reconocidas y respetadas personas en el comercio de Nueva York. De pronto todo se torna oscuro al urdir un supuesto plan perfecto que los alejaría de problemas económicos al menos. Deciden asaltar la joyería de sus padres contratando a alguien para ello. Un descabellado hecho que marcará la existencia de todos aflorando el lado más oscuro en torno al dinero, las presiones sociales y esa imagen que muchas veces se proyecta que es una total farsa.
Imposible al ver esta cinta no hacer un paralelo entre la realidad y la ficción con lo ocurrido hace poco en la comuna de providencia en Santiago donde una hermana contrata un sicario para acabar con la vida de un familiar por problemas con el dinero y el poder desnudando lo feble de las apariencias y como se pierde de foco el verdaderos sentido de la vida enceguecida por la codicia y la maldad. La cinta esta filmada con ritmo pausado, con muchos racontos que van estructurando esta historia con una acertada progresión dramática conforme avanza la trama, muy negra con mucho realismo y credibilidad. El reparto esta integrado por Philip Seymour Hoffman ganador del oscar por “Capote”, el sólido Ethan Hawke y Albert Finney reclutado anteriormente por Tim Burton en “El Gran Pez” conformando un trío de actores que brinda una potente interpretación que deja con la boca abierta. Muchos detalles que sólo al final precipitarán el resultado con todos los ingredientes puestos en escena con mucho olor a tragedia griega que lo hace un film muy recomendable con un final incierto.

TRANSSIBERIAN

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Joshua

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High School musical 3

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Noches de Tormenta

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Adivina con quién Salgo

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Quantum of solace

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MARADONA

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Mamma mia

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No es casualidad que la cinta Mamma mía lleve el nombre de una canción del grupo Abba ya que se proyecta como un homenaje a esta banda sueca que incluso tuvo un acercamiento a las nuevas generaciones con los adolescentes A Teens con bastante éxito. La película esta muy bien construida, bellamente filmada en una paradisiaca isla de Grecia con los tintes clásicos del musical de antaño donde en vez de expresar alguna emoción con el diálogo lo hacen con el canto y el baile específicamente con las letras del grupo mencionado que calza muy bien su director. Sin ser experto en musicales hay varios que desafinan por cierto, y eso que graban en estudio, pero se nota que el reparto lo pasó muy bien haciendo este film que derrocha alegría y energía.
La historia comienza cuando la juvenil Sofía pronto a casarse invita a sus boda a tres hombres que fueron amantes de su madre hace veinte años, de ellos tratara de descubrir cual es su padre para que la entregue en el altar. Con la noticia su madre llamada Donna interpretada por Meryl Streep queda impresionada con lo hecho por su hija desatando un conflicto de proporciones que poco a poco irá dando luces acerca de los viejos amores y la llama que nunca se extinguió con uno de ellos. En su hotel turístico que esta en decadencia se desarrollan todos los cuadros musicales donde los personajes darán rienda suelta a sus emociones junto con un numeroso cuerpo de extras que las oficia como ballet. Pierce Brosnan(oo7), Colin Firth (Bridget Jones) y Stellan Skarsgård(Ronin) son parte del reparto de estrellas que tuvo que sudar gota para lograr un producto creíble y entretenido del género.
Por más que se diga que el musical esta muerto hay que diferir de ello por que hay que recordar que no es aislado ya que los Globos de Oro entregados por la prensa acreditada en Hollywood tienen todos los años un premio orientado para mejor musical o comedia. Este tipo de cine ha dejado imborrables recuerdos desde Cantando Bajo la Lluvia, My Fair Lady, Hello, Dolly!. En los setentas fue Grease con Travolta, la elegante Cabaret con Liza Minelli y transgresora Jesucristo superestrella. Mamama mía quedará en el recuerdo uniéndose a reconocidas cintas que han logrado hace poco resurgir un género en los últimos años ha tenido buenos exponentes como la estupenda Moulin Rouge, la oscarizada Chicago, El Fantasma de la ópera, Across the Universe y Dreamgirls.

Un Crime

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Tony Manero

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Silente, malvado, obsesivo, impotente, una larga lista de adjetivos se podrían utilizar para describir a Raúl Peralta, el Tony Manero chilensis que interpreta magistralmente Alfredo Castro lo que le valió muy buenas critica en la quincena de realizadores de Cannes, una sección menor al cuadro principal de ese prestigioso festival pero que sirve para que en otras latitudes se fijen en esta cinta y logre mayor distribución. La historia esta ambientada en el Chile de fines de los setenta en plena dictadura donde los toques de queda la represión es pan de cada día en la segunda película de Pablo Larrain(La Fuga)donde logra en ciertos pasajes mucha tensión, con su inquieta cámara que a veces desconcierta al espectador con sus continuos desenfoques intencionales que a veces son percibidos por los espectadores como fallas de proyección. El personaje principal es victima de la represión, de la moral baja, de la desocupación volcando todo eso contenido a una violencia inusitada, gatillada por la obsesión de ser Tony Manero personaje de “Fiebre de Sábado por la Noche” que interpretara el célebre Travolta. De hecho esta cinta la ve en reiteradas ocasiones en el cine para perfeccionarse e imitar sus pasos y hasta diálogos en un pobre ingles. Traspasará todos los límite inluso matar para crear una atmósfera ideal para su personaje que vive como propio con supuesta perfección. Tres mujeres son su entorno inmediato y compañeras en un salón clandestino de baile donde es idolatrado por estas féminas que saben en su fuero interno que su hora de gloria ya paso pero no lo dicen abiertamente.

El mítico festival de la una en su sección de dobles y que regala setenta mil pesos y una licuadora aparece como una posibilidad para lucir su traje que pasea constantemente en una funda sin mostrarlo, y llegar a la gloria al fin auque tenga mas de cincuenta años.

En la parte técnica Larraín se envalentona y acerca a veces a Dogma, con cámara en mano y sonidos ambientes y diseño de producción que se fijo en todos los detalles de ambientación como el pasaje de micro a 11 pesos, las botella de Fanta con ondas, televisores con perillas, como olvidarlos. La Imagen deslavada, muchos silencios y su desarrollo a ritmo lento igual cautivan haciendo que el final incierto pegando en la butaca a los asistentes que esperemos que logren dimensionar que esta película debería al menos en algunos festivales latinos entregarle un premio a Castro por sus enorme interpretación. Completan el reparto Elsa Poblete, Amparo Noguera y el eterno Enrique Maluenda.

Married Life

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CONTROL TOTAL

Leer critica La conspiración del pánico en Muchocine.net La temática de la tecnología volcada en contra de su creador ha sido tocada en innumerables ocasiones con relativo éxito por el séptimo arte. Quizás unos de los más certeros fue Stanley Kubrick con “2001 odisea en el espacio” donde la inteligencia artificial creada para colaborar con las funciones y beneficios del hombre toma independencia para irse en contra de su creador. Esta es la premisa básica de de “Control Total” que sitúa a Jerry Shaw (Shia LaBeouf) que vive el funeral de su hermano gemelo y Rachel Holloman (Michelle Monaghan) que deja sus hijo en estación de tren que se prepara para tocar música en la Casa Blanca, en un encuentro forzado por culpa de una misteriosa llamada de teléfono de una mujer a la que no conocen y que hace que estos dos desconocidos se reúnan amenazando sus vidas y sus seres queridos sin dar la más mínima pista del objetivo final. Ambos guiados por esta voz que aparece en teléfonos móviles y públicos, letreros camineros, entre otros elementos tecnológicos, van recibiendo los mensajes que los guiaran a enfrentar situaciones muy complejas que deberán sortear convirtiéndose en una especie de gincana ultra peligrosa que los hace convertirse en fugitivos de su propio país por presuntos nexos con el terrorismo. JD Caruso director de esta cinta es responsable anteriormente de la correcta “Disturbia” que se parece mortalmente a la “Ventana Indiscreta” de Alfred Hitchcock y este nuevo film es muy similar a “Intiga internacional” con Gary Grant, lo que deduce una cierta admiración hacia este extinto maestro del suspenso y que marco pauta para las nuevas generaciones. Control total “Eagle eye” en ingles, es una propuesta filmada con mucho nervio, que a veces marea un poco por lo vertiginoso de su cámara pero con encendidas secuencias de acción y suspenso donde se ocuparon muchos recursos técnicos y nos recuerda por estilo de filmación a la exitosa trilogía de suspenso de “Jason Bourne” protagonizada por Matt Damon. Dato no menor es el protagonista Shia LaBeouf de 22 años que ha tenido un meteórico crecimiento en los últimos dos años donde después de protagonizar Disturbia, fue directo a las grandes ligas con Transformes, Indiana Jones y ahora esta efectiva intriga. Al parecer estamos en presencia de un nuevo talento para Hollywood de la mano Spielberg que es productor de los mencionados filmes convirtiéndose en un padrino de lujo para este joven actor.

El Clavel Negro

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El Pasado

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The Accidental Husbad

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AUSENTES

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Después de irrumpir con el potente relato en Boys don´t Cry, película que le valió a Hilary Swank su primer Oscar®, la directora y guionista Kimberly Peirce regresa con Ausentes , un drama que tiene como protagonistas a dos amigos que, tras servir juntos en el polvoriento y peligroso Iraq, vuelven a su pueblo de Texas como héroes e intentan rehacer su vida como civiles. La situación se complica cuando a uno de ellos el ejército trate de enrolarlo nuevamente para otra misión pero la resistencia de uno de ellos incluso le trae problemas con su familia y el gobierno. De pronto se encuentra en el centro de un conflicto que pondrá a prueba todos los valores en los que la unión familiar, la lealtad a los amigos el amor y honor. Prierce en el inicio de la cinta mezcla efectivamente recursos audiovisuales reales registradas con tomas efectuadas con elenco en locaciones muy parecidas a Iraq si es que no es el mismo logrando mucha credibilidad en las secuencias iniciales de los enfrentamientos bélico en plena ciudad y por angostos y peligrosos pasajes entre las residencias plagadas de niños y mujeres.
La historia esta basada en una experiencia propia de la directora originaria de New York que vio como su hermano después del horroroso episodio del 11 de septiembre y muchos jóvenes acudieron al llamado del “tío Sam” para enrolarse y defender la soberanía del país que tuvo muchas repercusiones , bajas y desmoralización de muchas familias que perdieron a sus seres queridos en esta guerra u ocupación como se ha dicho ya ha dado bastante material para distintos filmes de de nunca acabar sirve como telón para esta película que tiene ingredientes. Esta cinta en particular ahonda en los más cercanos a los jóvenes y sus anhelos de paz que vuelven curiosamente después de haber vivido en el infierno.

La Desconocida

La desconocida es una nueva cinta del director italiano Guiseppe Tornatore aclamado por su peliculas Cinema Paraiso y Malena. En esta nueva cinta cambia su habitual relato nostálgico por uno poco convencional y conocido para su estilo pero mantiene su solvencia en la dirección que se le conoce y sigue trabajando con el connotado Ennio Morricone a cargo de la banda sonora como en sus films anteriores alargando esta exitosa sociedad italiana que ha emocionado a muchos. La cinta ganadora de cinco Premios Cine Italiano David di Donatello narra ha historia de Irena, una mujer que llegó a Italia hace muchos años desde Ucrania y todavía que vive entre los fantasmas de su pasado y su búsquedas del presente abriendo la interrogante sobre este enigmatico personaje.A medida que trascurre la cinta va desenredandose la trama y dejando en evidencia su dramático viaje derivado del abuso y la maldad que ojalá no vuelva a ocurrir.

Paranoid Park

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Otra película del sorprendente Gus Van Sant (Elephant) que trae otro relato cerca de la adolescencia no entendida y con mucha ausencia de padres, de hecho se ven desenfocados en gran parte de la cinta con casi nula presencia y mas preocupados de sus problemas que los mismos hijos. Paranoid Park es un sector público donde se reúnen los skeater mas experimentados llevan a cabo sus acrobacias, es muy peligroso ir de noche allí, donde pululan estos fanáticos que derrochan horas para pulir sus experiencia en esta afición que atrae a muchos. Una noche en una aventura ocurre un accidente que dejará bajo la lupa de la policía a este tranquilo joven Alex que afligido no tiene a nadie que contarlo y se atormenta e incluso recibe una recomendación de una amiga de que si no tiene a nadie para contar un secreto este debe escribirlo para sacarlo de su ser.
Manejo original de la dirección con acertada fotografía que por momento parece deslavada y en otros es digna de James Ivory por lo preciosa. Tiene tomas excesivamente largas tan características de Van Sant con cámara lenta que suspende a su personaje en escena rodada con varios formatos de cámara que hacen de ella un hibrido exquisito y extraño a la vez. Los actores en sus mayoría no profesionales y provienen de un castig por Internet.

Baby Mama

Algo pasa últimamente con algunas comedias gringas, que están mas acidas, acertivas y con mejores diálogos desde Supercool hasta Juno. Ahora esta “Baby Mama” que ha cosechado muy buena audiencia donde se ha presentado. Sin duda su reparto liderado por Tina Fey y Amy Poehler no muy visto en el séptimo arte contribuye a que los personajes y las increíbles situaciones sirvan para ganar mayor credibilidad ante el espectador. Esta simpática comedia aborda el tema de la maternidad de de un punto de vista que todavía entra en fuerte debate ético como lo es el arriendo de vientres, Kate lo tiene todo excepto que no puede tener hijos y ahora tiene 37 años y se le hace mas complicado. Recurre a una agencia de “arriendo de vientres” conociendo a Angie que a cambio de una suma importante de dinero decide llevar por nueve meses al hijo de Kate que es una muy estructurada y planificadora en exceso que complicará en demasía a la desordenada Angie tratando de cambiar sus gustos con libros, manuales y videos que no soporta.

Un gran manejo de su director Michael McCullers con buen guión con secundarios de lujo como Greg Kinnear, Dax Shepard y Steve Martin sorprenden rompiendo todo prejucio de su titulo de comedia barata. Leer critica Baby Mama en Muchocine.net

El Regalo

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Los primeros minutos del metraje sin duda logran cautivar al público siguiendo la vida de este profesor que termina toda una vida de enseñanza y esta pronto a cumplir los setenta años. Viudo y sin hijos la única salida a su monotonía son sus dos amigos que tiene desde jóven y los cuales les sobra entusiasmo. Cansado y desilusionado de la vida decide tomar una drástica decisión que será interrumpida por un “regalo” de sus amigos, que es un tour por la montaña con mas personas de su edad, allí aprenderá que los mas importante en la vida que es perderle el miedo a vivirla y gozar de ella evitando prejuicios derivados precisamente cuando uno cree ya haber cumplido un ciclo.
La historia refleja un poco la indiferencia y a veces ignorancia acerca de los adultos mayores que tienen el derecho y el deber de ser personas participes en los procesos de las sociedades y economías por su sabiduría, experiencia acumulada en tantos años de labor.

Galaz responsable de la cinta el “Chacotero Sentimental” junto a la co directora Andrea Ugalde hablan de esta realidad pero en tono de comedia logrando el mismo efecto si hubiese sido en tono dramático, utilizando a un grupo de actores que en su mayoría tiene una basta experiencia en el teatro, televisión y el cine. Mejor aun son actores que están muy vigentes entregando un mensaje claro a la comunidad sobre la vitalidad de este grupo etáreo que sigue viviendo al máximo queriendo decir a las nuevas generaciones “miren somos los mismos de siempre pero con mas arrugas y canas”. Destaca la actuación de su Nelson Villagra (El Chacal de Nahueltoro) con un sólido rol de este atormentado hombre.

Slow Burn

Un abogado con pretensiones políticas se ve muy complicado en el esclarecimiento de un atraco a un establecimiento y paralelamente el crimen de un hombre. En dicho asunto está involucrado un importante miembro del crimen organizado de la ciudad al cual le ha seguido la pista sin conseguirlo. Tendrá la oportunidad que hacer su propia investigación para desvelar la verdad de los acontecimientos solamente con plazo hasta el amanecer. Su amante una atractiva mujer de ambiguo origen esta involucrada en el crimen y un misterioso miembro de la mafia los cuales son interrogados Paralelamente por Ford interpretado por “Ray Liotta” famoso por sus interpretación de Gangster en Godfellas de Martin Scorsese.

Una enredada trama policial que el debutante Wayne Beach trata de emular a los tramos finales con una cierta admiración a un policial tan efectivo como lo es “Sospechosos Habituales” con Kevin Spacey a la cabeza, claro que no tiene la maestría de ese pero los intentos están a la vista. La hermosa Femme fatale funciona muy bien siendo el hilo conductor de este policial de suspenso que por lo menos tiene algunas intervenciones histriónicas acertadas dentro de tanta vuelta de tuerca un poco forzadas que podrían confundir hasta el más experimentado espectador. Leer critica Slow burn en Muchocine.net

Después del Casamiento

Al cine europeo a veces se le critica por hacer películas un poco lentas para un segmento muy específico y sin tintes comerciales. Después del casamiento es opuesta a esas categorizaciones que se han dado ya que es una Gran película del cine danés que estuvo nominada al Oscar como mejor película extranjera. Hablada en su idioma natal esta cinta es muy refrescante en su trama acerca de Jorgen que vive a cargo de un orfanato en la India que se mantiene a duras penas , de pronto recibe una invitación de un acaudalado hombre de negocios que le ofrece cuatro millones de dólares para la obra pero como requisito debe ir a Copenhague. Reticente en un inicio emprende rumbo dejando a los pequeños que algunos prácticamente son sus hijos y justamente ese Amor lo mueve para mantener la obra de su equipo a dedicado por años. Una vez allí lo invita al matrimonio de su hijastra y se encontrará con un a gran sorpresa que le reformulará todos sus principios y sentido de vida hasta ahora cuando se encuentre con un viejo amor que no pudo olvidar. Filmada en hermosos parajes de la ciudad Copenhague y la conmovedora India cuenta con un respetado reparto Encabezado por Mads Mikkelsen a quien vimos en “Casino Royale” como el mafioso jugador que tiene entre la espada y la pared al mismísimo 007. Susanne Bier la directora de esta cinta cuenta con mas de diez largometrajes a su haber y una de las últmas cintas es “Things We Lost in the Fire” tuvo como protagonistas a Halle Berry y Benicio del Toro. Aquí despliega toda su sensibilidad y gran manejo de una inquieta cámara que se introduce en certeros primerísimos primeros planos de los ojos, llamados los espejos del alma que sin duda trata de trasmitir esta técnica las emociones de sus personajes. Con cámara en mano recuerda a películas “dogma” fragmentado la narración brindándole una intensidad emocional de cada situación dramática que la hace una gran película. Leer critica Después de la boda en Muchocine.net

La Misma Luna

“Espaldas mojadas” es un término muy común y despectivo para referirse los inmigrantes mexicanos que a diario intentan cruzar la frontera hacia los Estados Unidos en búsqueda de un mejor porvenir. Doce millones en EE.UU. y un millón aproximadamente en Los Ángeles de indocumentados de diferentes nacionalidades, denotan un gran problema cuya temática precisamente toca esta cinta de la debutante directora Patricia Rigen, con una tremenda sensibilidad sin grandes golpes de efecto, dejándose llevar por el encanto de su reparto y guión que asegura emociones con una temática universal con el especial sello melodramático tan típico de las telenovelas mexicanas.

La historia se centra en el entrañable Carlitos que vive con su abuela en México pero sueña con reunirse con su mamá que trabaja ilegalmente en Los Angeles hace cuatro años, la muerte repentina de su abuela y con el dinero reunido el gatilla que el pequeño inicie un viaje increíble para cruzar al pais del norte con el anhelo de encontrarla pero tiene escasas pistas de ello. El camino no será fácil, vivirá muchas aventuras y conocerá mucha gente que se aprovechará de él y otras que de corazón le ayudarán. Uno de ellos es otro inmigrante que le tomará mucho cariño y tratará de ayudarle recorriendo los secos parajes del desierto y el mismísimo Los Ángeles para tratar encontrar su ser querido antes que sea demasiado tarde.

El pequeño que interpreta a Carlitos (Adrián Alonzo) esta lejos de ser un principiante, ya que ha estelarizado cinco largometrajes donde destacan el “La leyenda del zorro” como el hijo de Antonio Banderas y “Voces Inocentes” junto a la chilena Leonor Varela. La legendaria banda cuate los “Tigres del norte” está a cargo de la banda sonora y tiene una importante aparición en la cinta. Leer critica La misma luna en Muchocine.net

Una Estrella y Dos Cafés

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Una sencilla película que narra parte de la vida de un arquitecto que es enviado al norte de la Argentina para realizar la compra de unos terrenos para la construcción de un complejo turístico. En su estadía conoce a la pequeña Estela de 13 años que se trasforma en su guía y amiga pero la pequeña se encariña demasiado con un inmenso amor platónico hacia él, cambiándole la existencia en un pueblo donde no ocurren muchas cosas, comienza a arreglarse para verse mas linda para Carlos. Lo que no sabe la pequeña que Carlos viene saliendo de una separación y pronto su mujer irá a encontrarse con él desatando sus primeros celos de amor de la pequeña con una inocencia entrañable generando mucha simpatía y ternura en esos tramos de la cinta.

Emotiva y humana historia sobre seres marginales que viven cerca del desierto y en el extremo sur del planeta, es la Argentina menos vista, alejada del gran Buenos Aires, aquí abunda la gente sencilla, de piel con su vida cotidiana, mucha quietud y sin mayores sobresaltos, lado opuesto a lo vivido en las urbes que le sirve a este arquitecto junto a la naturaleza reinante y su amiga inocente a descubrir lo que realmente importa en la vida y que nunca es tarde para retomarlo.
Alberto Lecchi, realizador de “Nueces para el Amor”. reúne nuevamente a sus protagónicos a Gatón Pauls y Adriana Gil en un cine donde las personas, sus anhelos y vivencias son las protagonista con un inmenso telón de fondo de un polvoriento pueblo donde la humildad y sencillez a veces da sana envidia. Hay que destacar el trabajo del director en la utilización de personas sin formación actoral en esta película como la pequeña y dulce niña que interpreto a Estela.

Smother

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El aire que Respiro

Kevin Bacon, Brendan Fraser, Sarah Michelle Gellar, Andy Garcia y como no Forrest Witaker son algunos de los intérpretes que dan vida a estas cuatro historias donde abundan las coincidencias en un guión bien trabajado que pretende visualizar la vida de muchos personajes que pululan por la ciudad, todos con sus objetivos de vida distinto pero en búsqueda que ayudar al prójimo y así mismos viven los matices mismos de la vida como lo es el transito de la felicidad y el amor entre otros asuntos.

Una mujer quiere ser estrella de pop pero la mafia es desde ahora su nuevo representante. Un guardaespaldas del jefe mafioso que quiere ayudarla, un oficinista que busca emociones y decide ingresar al mundo de las apuesta ilegales de los caballos y un doctor empecinado en salvar a una ex novia casado con su mejor amigo, son parte de las conmovedoras historias . Si algo habría que reparar de la cinta es que sospechosamente ocupa la fórmula probada por cintas como Babel o Crash. Jieho Lee joven director norteamericano con raíces orientales reúne a un más que respetado reparto ocupando bien a sus instrumentos puestos por la producción, que envidia para otros contar con tal elenco en ese set manejo de ritmo y inusitada fotografía.
Las historias tratadas en algún momento del desarrollo de la cinta se reúnen para ser parte de un todo , un mensaje es revelador pero solo al final, pero así es la vida muchas acciones que realizamos afectan a otros pero no lo vemos, aquí gracias a la magia del cine podemos ver que pasa con las vidas paralelas y como a veces estas colisionan.

My blueberry nigths

Jude Law, Rachel Weiz y Natalie Portman y la cantante Norah Jones quién hace sus debut son los protagonistas de esta hermosa fábula de amor que es contada de forma especial por el eficiente Won kar- wai(2046) que con una fotografía y uso de la cámara impecable de la un tono nostálgico generando un ambiente un poco triste a este metraje de seres que buscan el amor verdadero pero distan mucho de encontrarlo.
La historia se sitúa en un café atendido por Jeremy(Law) que es visitado por una despechada mujer que es victima de engaño por parte de su novio en ese mismo lugar. Como una especie de terapia va todos los días a ese café tratando de buscar respuesta a su infelicidad destacada por ese hecho y lo único que endulza su vida son los pasteles que se venden allí y que prueban en cada cierre. Una noche ocurre un vuelco en su vida cuando decide cruzar la calle, pero muy lejos y vivir otras experiencias trabajando en bares y restaurantes donde las vidas ajenas frente a sus ojos entran y salen de ella. En el camino se encuentra con una serie de enigmáticos personajes que con sus desgracias la ayudan indirectamente en su búsqueda. Conoce un policía despechado y alcohólico Arnie, interpretado magistralmente, por David Strathairn que no puede olvidar a su ex mujer (Weiz)que se pasea en la ciudad con otro hombre y a la jugadora impetuosa interpretada por la Portman que pasa por una mala racha en Las Vegas que esta muy sola y apuesta por su amistad. En su viaje le sigue enviando muchas notas contándoles su experiencia a Jeremy sin describir su paradero acrecentando un amor insospechado a la distancia. El su café posee muchas llaves olvidadas por personas que simbolizan sueños incumplidos, la de Elisabeth aún permanecen allí, la recuperará como el amor?

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Tropic Thunder

Ben Stiller vuelve a la dirección para llevar adelante una sátira देल propio medio en donde se desenvuelve que es Hollywood y las grandes súper producciones acompañado por un envidiable reparto que lo componen entre otros Jack Black, Robert Downley Jr, NicK Nolte, Tom Cruise, entre otros. Stiller plasma un poco de todos los directores de comedia con los cuales a trabajado pero por sobre todo con su particular visión satirizando las películas y los secretos mejor guardados de los actores que presentan una mejor imagen gracias a sus asesores. La cinta tine varios guiños de películas de bélicas como Platoon y Apocalipsys Now iniciandose en el bastage de una película bélica queesta saliendo pésima debido a la poca complementación de sus elenco y asistentes técnicos. El financista de la película después de una explosión millonaria देल set decide darle un ultimátum al director y su elenco. Entonces comienza una travesía de la producción de situar a los actores en la selva verdadera para verlos en acción más real posible, pero todo comienza a salir mal cuando son interceptados por una verdadera guerrilla, lo cómico es que los actores piensan que son extras y le siguen el juego en las emboscadas haciéndoles frente arriesgando sus vidas. Un gran intento por de mostrar la “fauna” que rodea la farándula de Hollywood, mordiendo la mano que le da de comer con escenas muy cómicas y trasgresoras lo que le ha valido de un éxito al menos en las taquillas. Los cinéfilos entenderán mejor el sentido de esta cinta que cuenta con un gran presupuesto demostrando en sus buenas escenas de acción. Leer critica Tropic thunder en Muchocine.net

TRADE

Alarmante película que trata de descubrir cómo funcionan las redes de tráfico de seres humanos", siendo un tema de candente actualidad y muy desconocido para la gente. La historia comienza cuando un joven asaltante mexicano de turistas de diecisiete años ve como sus hermosa hermana menor de trece años desaparece frente a sus ojos, desesperado tratando de conseguir su paradero recurre a todos sin tener muchas esperanzas, pero pronto se encuentra con un enigmático norteamericano que algo busca en tierras aztecas(Kevin kline), le sigue la pista a otra mujer que esta en las misma condiciones. No muy convencidos emprenden una frenética búsqueda por diferentes parajes de México descubriendo de a poco que ambas fueron secuestradas para ser explotadas en el mercado sexual.
Kevin kline el ganador del Oscar al mejor actor de reparto en 1988 por el filme "Un pez llamado Wanda" protagoniza esta interesante film que no es una gran producción al estilo Hollywood con escaso marketing pero es muy interesante presenciarla, sin ser para nada prescindible. Es dirigida por el alemán Marco Kreuzpaintner y está basada en el artículo "The girls next door", publicado años atrás en la revista dominical del diario "The New York Times" en el que contaba la historia real de una víctima de este tipo de delito en Estados Unidos. El guionista de la cinta es José Rivera, nominado a un Oscar por su trabajo en "Diarios de motocicleta" del brasileño Walter Salles.
Recomendable película que no brinda respiro alguno y analiza el rol sucio que a veces se puede realizar con internet explorando además el lado oscuro de los seres humanos que pueden hacer estas atrocidades de privar a la personas de su libertad junto con ofrecerlas al mejor postor.Leer critica TRADE en Muchocine.net

ZOHAN

En esta disparatada historia dirigida por Dennis Dugan vuelve a reunirse con Sandler como en dos ocasiones anteriores para llevar a cabo esta comedia con mucho humor físico, absurdo subida de tono que le costo ser catalogada para mayores de 14 años. Adan Sandler se le conoce principalmente por “Locos de ira” que protagonizo junto a Jack Nicholson y “Como la primera vez” junto a Drew Barrimore. Lo acompañan en esta nueva aventura John Turturro un astro de los hermanos Coen en (Barton Fink y Gran Lebosky) interpretando a “El Fantasma” un terrorista palestino y archienemigo de Zohan.
Zohan (Sandler) es un soldado israelí con mucha fuerza y destreza que finge su propia muerte para perseguir su sueño y secreto mejor guardado que es convertirse en peluquero en Nueva York. Aunque quiere dejar atrás su vida de lucha antiterrorista, rápidamente se da cuenta de que no es tan sencillo escapar y encontrar trabajo por su extraño acento y apariencia encontrando trabajo, finalmente en una peluquería cuya dueña es una bella palestina que esta a punto de ser desalojada. Deberá dejar de lado los prejuicios y trabajar allí en sus inicios como peluquero tendrá a muchas señoras de la tercera edad como clientas donde les ofrece mas que un buen peinado si no que también exagerados movimientos pélvicos y tal vez sexo, lo que hace que la peluquería se llene de las féminas de este tramo etáreo y su dueña salga de los apuros financieros.
Con tal fama sus enemigos pronto lo encontrarán pero esta vez sus licencia para matar cambio a “Licencia para peinar”. Esta película se odia por su liviandad o se ama por que entretiene haciendo olvidar en su extensión los problemas cotidianos. También en forma cómica toca un tema tan serio como los es lucha eterna entre israelíes y palestinos desdramatizándola un poco y llevando un claro mensaje de convivencia entre los pueblos.Leer critica Zohan: licencia para peinar en Muchocine.net

La buena Vida

“La buena vida” de Andrés Wood cuenta pequeñas historias de personas que viven en las grandes urbes y a las cuales es casi imposible no sentirles empatía. Con Machuca el realizador se adentró en esa interesante, apasionante y polémica faceta de nuestra historia más conocida universalmente lo que significa la génesis y posterior golpe militar. Posteriormente con el “El desquite” reflejo un parte de la realidad del campo chileno y con Historias del Fútbol mostró nuestra geografía y costumbres en torno a un balón. En este nuevo desafío se plantea en plena urbanidad del Chile de hoy, la de los sueños y anhelos legítimos que vive cada persona, la desintegración de la familia como núcleo central, el creciente consumismo y asuntos que palpamos a diario y que de una u otra forma nos van delineando como seres imperfectos tratando de salir adelante en este vértigo que para muchos significa vivir en Santiago.
El resumen argumental de esta fábula urbana esta contada a través de tres historias, que en alguna parte del metraje se juntan, se adentra en la vida de una sicóloga (Aline Kuppenheim), que trabaja en el Ministerio de Salud asesorando a prostitutas pero no puede controlar el ímpetu e irresponsabilidad de sus propia hija(Manuela Martinelli) y el amor de su esposo(Alfredo Castro-Tony Manero); Edmundo, un esforzado peluquero interpretado por (Roberto Farias) que quiere comprarse un automóvil pero que tiene el dilema que vence el plazo de la tumba de su padre en el cementerio y un clarinetista Mario (Eduardo Paxeco) que quiere entrar a la Filarmónica quedando en lista de espera pero sus ansias de llegar a la música lo ligan con el Orfeón de Carabineros de Chile. Esta parte fue filmada con el beneplácito y colaboración del difunto y respetado general Bernales. Tres historias que harán reflexionar al público y que corresponden a un cine sin mucho marketing y con la clara intención de hacernos reflexionar acerca de las cosas que verdaderamente importan para tener “una buena vida”. Delicada, bien actuada y bellamente filmada, esta película a pesar de su ritmo pausado y cruce a veces forzado de sus historias se introduce en esos segmentos de nuestra vidas que vemos como fracasan pero que nunca es tarde para retomarlos y enmendarlos para conseguir más plenitud y felicidad.

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Pasión al Atardecer

“Pasión al atardecer” es una historia muy humana y llena de amor que narra la vida de mujeres que vivieron sus dispares vidas con mucha rectitud y entrega pesar de sus sueños incumplidos.

Si mencionamos Meryl Streep Vanessa Redgrave, Natasha Richardson. Claire Danes, Toni Collette, Patrick Wilson, Hugh Dancy y Glenn Close, como parte del extenso, multinacional e interesante reparto de esta película se puede deducir que detrás hay una interesante historia que atrajo a este importante elenco para contar un drama humano y lejano a todo artificio para centrarse en las personas, su ahnelos y amor fraterno. La cinta esta basada en la novela de Susan Minot y es adaptada a la pantalla el autor ganador del premio Pulitzer Michael Cunningham (Las horas), bajo la dirección del europeo Lajos Koltai que fue candidato al Oscar a la Mejor Fotografía por la película “Malena” de Giuseppe Tornatore. Con todos estos antecedentes se presenta esta hermosa historia tan necesaria y que va en la línea de las exitosas “Los puentes de Madison” y “Diario de una pasión”
En su lecho de muerte la anciana Ann tiene recuerdos permanentes dentro de su delirio, sus dos hijas están intrigadas de quién es Harris que menciona demasiado en sus sueños y así comienza un recorrido por su historia remontándose cincuenta años atrás cuando conoció al amor de su vida el cual nunca pudo concretar. El filme lleva al espectador de la mano por un paseo a las pasiones humanas, a decirles que los sueños inconclusos y los errores que cometemos los seres humanos nunca es tarde para. La anciana Ann fue cantante y crió a sus dos hijas. Al igual que los artistas perdió el miedo escénico y vivió su vida a plenitud con el dolor de amor no concretado pero salio adelante dándoles un ejemplo a sus hijas quienes de estas confesiones tratarán de corregir el curso de su vidas para vivirlas a plenitud dejando a un lado las inseguridades propias que generan decisiones importantes que se toman a lo largo de la vida. Como dato interesante es que en la cinta trabajan dos madres con sus respectivas hijas en la vida real como los son Meryl Streep y Mamie Gummer, y las inglesas Vanessa Redgrave y Natasha Richardson.

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Tripulación Dave(Meet Dave)

Eddie Murphy juega una nueva carta con habilidad gestual que se le conoce y lo hace a su manera en “Meet Dave” interpretándose a si mismo en dos versiones. Dave es una nave con forma de hombre que es tripulada por pequeños seres extraterrestres que aterrizan en la tierra para buscar una roca vital para su sobrevivencia y que ha caído en manos de un pequeño niño que vive solo con su madre. Desde su aterrizaje la nave “Dave” anda vestido como traje blanco muy llamativo circulando por las calles de Nueva York aprendiendo el comportamiento de los humanos con sus singular apariencia, la madre del niño en cuestión casualmente lo arrolla con su carro y comienza una amistad que le servirá a la tripulación para conocer los anhelos y comportamiento de los humanos. La película que se plantea como una liviana y forzada cinta de entretención de a poco se adentra en un vistazo a los humanos obviamente muy superficial que hace arriesgado el éxito y gusto masivo de esta película. Los efectos especiales para ser una cinta que juega mucho con la ficción tampoco son los mejores´La gestualidad exagerada y habitual de Murphy que creo que esta agotando su propia formula de éxito utilizada en más de una década interpretando a mas de un personaje a la vez, tendrá que innovar pronto. Lo mejor de la película aunque suene irónico es sin duda su trailer.

Wind Chill

Esta película de la sony pictures no contó con mucha presupuesto en marketing a pesar que destaca por sobre otras de su género por el interesante desarrollo de sus dos personajes principales y halo de misterio e incertidumbre en todo momento.

Las películas del terror parecen inagotables pero corren el riesgo de toparse con temáticas y fórmulas muy reiterativas. Wind chill es un caso aparte y se le agradece algo muy en particular que tiene a pesar de lo escueto del metraje. Tiene un desarrollo en sus personajes que permite secuencialmente develar sus miedos, aspiraciones y objetivos en el marco de la sobrevivencia donde no tienes mas que contar con la persona que tienes al lado aunque no la conozcas y confíes plenamente en ella.

Es lo que le ocurre a la hermosa joven interpretada por la atractiva Emlly Blunt que en las vacaciones navideñas decide ir a ver a sus padres en otro estado pero su viaje complica un poco al no encontrar como llegar a tiempo y alguien le recomienda ver los ficheros donde generalmente se pegan diferente avisos y a lo mejor puede encontrar algún compañero de viaje para compartir los gastos. Ahí conoce a un joven interpretado por Ashton Holmes que anteriormente había trabajado en “Historia de violencia” de David Cronenberg. Los dos aunque sin convencimiento y mas entusiasmo de parte del muchacho emprenden viaje en su añoso automóvil, con una frialdad y desconfianza derivado por el poco conocimiento que tienen entre si. Pero algo ocurre en un desvío que toman, sufriendo un accidente que los dejará abandonados a su suerte en medio de la nada, en plena noche con el frío y la nieve acechándolos. Desde este hecho tendrán que confiar y apoyarse ambos para sobrevivir. Aunque el panorama ya se avisora complicado extrañas apariciones o espectros que por algún motivo vagabundean en el sector desatando mucho pánico y mucho escalofríos.

Dirige esta película Gregory Jacobs el director de segunda unidad preferido por Steven Soedenberg (traffic- Erin brocovich) que hace su segunda incursión como director desde “Criminal” y denota un gran manejo de la situación con una cinta sin muchos efectos especiales con escaso reparto que juega con el frío y la nieve como elementos catalizadores del miedo.

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Solo Dios Sabe

Diego Luna (Y tu mama también ) protagoniza esta romántica y entretenida cinta junto a la sobrina de la famosa brasileña Sonia Braga llamada Alice a quién vimos junto Will Smith en “I am Leyend”. Solo Dios Sabe es una historia de amor iniciada por una divinidad o simplemente por el decisión del destino, temas que pueden ser debatidos. Un joven que fuerza su destino por un hecho puntual desatado por Dolores que es una brasileña radicada en San Diego (EE.UU.) por sus estudios de arte decide ir en una noche de aventuras con sus amigos a Tijuana(México), lamentablemente deja su pasaporte en el auto y son victimas de un robo, ella queda estancada sin poder partir con sus amigos. Allí conoce al mexicano Damián que convencido al haber encontrado su pasaporte como una señal divina decide ocultárselo y en vez de entregárselo se ofrece para acompañarla a ciudad de México donde esta la embajada de Brasil para sacar nuevamente el documento que permita seguir con su vida adelante. En dicho viaje este periodista decide acompañarla en su viejo automóvil descapotable iniciando una travesía por diferentes parajes mexicanos convirtiéndose en una road movie en su mitad dejando muy incierto la relación futura de ambos.

Exquisita película que mezcla muchos géneros dando un atractivo a los espectadores que quieren ver tramas simples pero efectivas. En la cinta hay muchos referencias a la divinidad, Damian las venera y respeta muchísimo como diciendo que lo que vive es gracias a ellas. En cambio la chica es más terrenal y práctica pero de a poco esas dos personalidades opuestas pueden reencontrarse en la inmensidad de los paisajes que recorren viendo como sus vidas pasa frente a otras tantas realidades paralelas.

Radio Corazón

El “rumpy” Roberto Artiagoitía y director de esta película, es un fenómeno radial en Chile y vuelve a la carga después de haber guionizado anteriormente la película el “Chacotero Sentimental” también basado en un programa radial suyo. Un mero mediador o psicólogo barato que va escuchando y comentando con el auditor de turno que lo llama las historias que son sumamente increíbles y algunas divertidas. En esta película se cuenta tres de ellas, la primera se trata de un enfermero que vive con una mujer y la hija de ella que pronto cumple los 18 años, esa chica junto con otras dos compañeras de aula tienen un desafío de perder la virginidad antes de salir de su educación media pero para complicar las cosas se fija en el conviviente de su madre (el enfermero)poniéndolo en serios conflicto éticos, lo hará?. La segunda historia dice relación con la auditora que relata su drama donde es una madre sobreprotectora de un joven profesional pero que guarda un secreto del lesbianismo que nadie sabe, su hijo vuelve a la ciudad con su nueva novia argentina llamando la atención de su madre al sentirse atraída increíblemente por la chica. La última historia es ambientada en el campo chileno donde un dueño de una gran “casona” ve como su esposa muere lentamente de una enfermedad y su vida llena de éxito se va desmoronando de a poco y se va sintiendo atraído por la ayudante y cuidadora de sus hijos, que a su vez recibe el extraña petición de la moribunda dueña de casa de ocupar su lugar cuando ella muera. La primera historia esta contada en tono de comedia, la segunda es un drama y la tercera podría ser un telefilme, hay atractivo por cierto y las escuetas historias sirven para ocultar la falta de experiencia y ritmo de este debutante director. Estas historias podrían salir de la soledad que muchas personas viven en las grande urbes y ven en este medio de comunicación una forma de gritar anónimamente al mundo que están vivos.